Fénykép: Naturhistorisches Museum jóvoltából

A művészettörténet szobrát, ezt az apró, alig több mint négy hüvelyk magas figurát 1908-ban fedezték fel Ausztriában. Senki sem tudja, milyen funkciót töltött be, de a találgatások a termékenység istennőjétől a maszturbációs segédeszközig terjedtek. Egyes tudósok szerint egy nő által készített önarckép lehetett. Ez a leghíresebb a régi kőkorszakból származó ilyen tárgyak közül.

Fénykép: CC/Wiki Media/Philip Pikart jóvoltából

Ez a portré a női szépség szimbóluma, amióta először 1912-ben feltárták Amarna romjai között, a fővárosban, amelyet az ókori egyiptomi történelem legvitatottabb fáraója, Ehnaton épített. Királynőjének, Nefertitinek az élete rejtélyes: azt gondolják, hogy Ehnaton halála után egy ideig fáraóként uralkodott – vagy valószínűbb, hogy Tutanhamon fiúkirály társregentjeként. Egyes egyiptológusok úgy vélik, hogy valójában Tut anyja volt. Ez a stukkó bevonatú mészkő mellszobor Thutmose, Ehnaton udvari szobrászának keze munkája.

Fénykép: CC/Wikimedia Commons/Maros M raz jóvoltából

Az 1974-ben felfedezett Terrakotta Hadsereg egy hatalmas agyagszobrok rejtekhelye, három hatalmas gödörben elásva Shi Huang, Kína első császára sírja közelében, aki ie 210-ben halt meg. A túlvilágon megvédeni hivatott hadsereg egyes becslések szerint több mint 8000 katonát, 670 lóval és 130 szekérrel együtt. Mindegyik életnagyságú, bár a tényleges magasság a katonai rangtól függően változik.

Fénykép: CC/Wiki Media/LivioAndronico jóvoltából

A római ókor talán leghíresebb szobra,Laocoön és fiaieredetileg 1506-ban tárták fel Rómában, és a Vatikánba költöztették, ahol a mai napig tartózkodik. Egy trójai papról szóló mítoszon alapul, amelyet fiaival együtt tengeri kígyók öltek meg, amelyeket Poszeidón tengeristen küldött, megtorlásul azért, mert Laocoön megpróbálta leleplezni a trójai faló csalását. Eredetileg Titus császár palotájában telepítették ezt az életnagyságú figurális csoportosulást, amelyet Rodosz szigetéről származó görög szobrászok triójának tulajdonítottak, és páratlan az emberi szenvedés tanulmányozása.

Fénykép: CC/Wikimedia/Livioandronico2013 jóvoltából

Az egész művészettörténet egyik legikonikusabb alkotása, Michelangelo Dávidja egy nagyobb projektből származik, amelynek célja Firenze nagy katedrálisának, a Dómnak a támpilléreit díszíteni az Ószövetségből vett figurák csoportjával. ADavidvolt, és valójában 1464-ben Agostino di Duccio kezdte el. A következő két év során Agostinónak sikerült kinagyolnia a híres carrarai kőfejtőből kifaragott hatalmas márványtömb egy részét, mielőtt 1466-ban megállt. (Senki sem tudja, miért.) Egy másik művész felkapta a lazaságot, de ő is csak dolgozott rajta röviden. A márvány érintetlen maradt a következő 25 évben, amíg Michelangelo 1501-ben folytatta a faragását. 26 éves volt ekkor. Amikor elkészült, a David hat tonnát nyomott, vagyis nem lehetett felemelni a katedrális tetejére. Ehelyett a Firenze városháza, a Palazzo Vecchio bejárata előtt állították ki. A figurát, a magas reneszánsz stílus egyik legtisztább desztillációját, a firenzei közvélemény azonnal felkarolta, mint a városállam saját ellenállásának szimbólumát az ellene felvonuló hatalmakkal szemben. 1873-ban aDavidátkerült az Accademia Galériába, és a másolatot az eredeti helyére telepítették.

Fénykép: CC/Wiki Media/Alvesgaspar jóvoltából

A római barokk stílus megalkotójaként elismert Gian Lorenzo Bernini ezt a remekművet a Santa Maria della Vittoria templom kápolnájához készítette. A barokk elválaszthatatlanul összekapcsolódott az ellenreformációval, amelyen keresztül a katolikus egyház megpróbálta megállítani a 17. századi Európán átívelő protestantizmus hullámát. A Berninihez hasonló alkotások a pápai dogma megerősítését célzó program részét képezték, amelyet Bernini zsenialitása szolgált, aki a vallási jeleneteket drámai narratívákkal hatja át.EksztázisEgy példa erre: a témája – Ávilai Szent Teréz, egy spanyol karmelita apáca és misztikus, aki egy angyallal való találkozásáról írt – éppen akkor van ábrázolva, amikor az angyal éppen egy nyilat akar dönteni a szívébe.EksztázisErotikus felhangjai összetéveszthetetlenek, legnyilvánvalóbban az apáca orgazmikus arckifejezésében és a mindkét figurát körülölelő vonagló szövetben. Bernini építészként és művészként a kápolna díszletét is tervezte márványból, stukkóból és festékből.

Fénykép: A Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund jóvoltából

Antonio Canova (1757–1822) olasz művészt a 18. század legnagyobb szobrászaként tartják számon. Munkássága a neoklasszikus stílust testesítette meg, amint azt a görög mitikus hős, Perseus márványban ábrázolja. Canova valójában két változatot készített a darabból: az egyik a római Vatikánban található, míg a másik a Metropolitan Museum of Art Európai Szoborudvarában áll.

Fénykép: A Metropolitan Museum of Art

Míg Edgar Degas impresszionista mester leginkább festőként ismert, szobrászattal is foglalkozott, és életművének vitathatatlanul legradikálisabb erőfeszítését hozta létre. Degas vágásúA kis tizennégy éves táncosnőviaszból (amelyből 1917-ben bekövetkezett halála után a későbbi bronzmásolatokat öntötték), de az a tény, hogy Degas névadó alanyát valódi balettjelmezbe öltöztette (meselyel, tutuval és papuccsal kiegészítve) és valódi hajú parókába, szenzációt keltett, amikorTáncosdebütált az 1881-es párizsi hatodik impresszionista kiállításon. Degas úgy döntött, hogy a legtöbb díszítményét viasszal borítja, hogy illeszkedjen a lány többi vonásaihoz, de megtartotta a tutit, valamint a haját támasztó szalagot, így a figura a talált tárgyak egyik első példája. művészet.Táncosez volt az egyetlen szobor, amelyet Degas életében kiállított; halála után további mintegy 156 példányt találtak műtermében sínylődően.

Fénykép: Philadelphia Museum of Art jóvoltából

Míg a legtöbben a nagy francia szobrászra, Auguste Rodinra asszociálnakA Gondolkodó, ez az együttes, amely a Nagy-Britannia és Franciaország közötti százéves háború (1337–1453) során történt incidensnek állít emléket, fontosabb a szobrászat történetében. Megbízták egy parkot Calais városában (ahol 1346-ban feloldották az angolok egy évig tartó ostromát, amikor hat városi vén felajánlotta magát kivégzésre a lakosság megkíméléséért cserébe).A polgárokelkerülte az akkori műemlékekre jellemző formátumot: Rodin a magas talapzat tetején elszigetelt vagy piramisba halmozott alakok helyett közvetlenül a földön, a nézővel egy szintben szerelte össze életnagyságú alanyait. Ez a radikális elmozdulás a realizmus felé szakított a hősies bánásmóddal, amelyet általában az ilyen szabadtéri munkákhoz illettek. VelA polgárok, Rodin megtette az egyik első lépést a modern szobrászat felé.

Fénykép: CC/Flickr/Wally Gobetz jóvoltából

1912-ben Picasso kartonból készült makettet készített egy darabból, amely túlméretezett hatással volt a 20. századi művészetre. A MoMA gyűjteményében is gitárt ábrázolt, Picasso által gyakran festészetben és kollázsban feltárt témát, és sok tekintetbenGitára kollázs kivágás és beillesztés technikáit két dimenzióból háromba helyezte át. Ugyanezt tette a kubizmus esetében is: lapos formákat állított össze, hogy sokoldalú formát hozzon létre mélységgel és térfogattal egyaránt. Picasso újítása az volt, hogy elkerülte a hagyományos faragást és egy szilárd tömegből készült szobor modellezését. Helyette,Gitárszerkezetként volt összeerősítve. Ez az elképzelés az orosz konstruktivizmustól a minimalizmusig és azon túl is visszaköszön. Két évvel az elkészítése utánGitára kartonból Picasso készítette ezt a változatot vágott ónból

Fénykép: A Metropolitan Museum of Art

Az olasz futurizmus radikális kezdeteitől végső fasiszta megtestesüléséig sokkolta a világot, de egyetlen alkotás sem példázta a mozgalom puszta delíriumát, mint ez a szobor egyik vezető fénye: Umberto Boccioni. A festőként indult Boccioni egy 1913-as párizsi útja után fordult a három dimenzióban való munka felé, ahol bejárta a korszak több avantgárd szobrászának műtermeit, mint például Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon és Alexander Archipenko. Boccioni gondolataikat ebbe a dinamikus remekműbe szintetizálta, amely egy lendületes figurát ábrázol a mozgás „szintetikus folytonosságában”, ahogyan azt Boccioni leírta. A darab eredetileg gipszből készült, és csak 1931-ben öntötték a megszokott bronzváltozatba, jóval azután, hogy a művész 1916-ban, az első világháborúban egy olasz tüzérezred tagjaként meghalt.

Fénykép: CC/Flickr/Steve Guttman, NYC jóvoltából

A Romániában született Brancusi a 20. század eleji modernizmus egyik legjelentősebb szobrásza volt – sőt, a szobrászat egész történetének egyik legfontosabb alakja. Amolyan proto-minimalista Brancusi a természetből vett formákat, és azokat absztrakt ábrázolásokká racionalizálta. Stílusára hatással volt szülőföldjének népművészete, amely gyakran élénk geometrikus mintákat és stilizált motívumokat tartalmazott. Nem tett különbséget tárgy és alap között sem, bizonyos esetekben felcserélhető összetevőként kezelte őket – ez a megközelítés a szobrászati ​​hagyományokkal való döntő szakítást jelentette. Ez az ikonikus alkotás modelljének és szerelmének, Pogány Margitnak, a magyar művészhallgatónak, akivel 1910-ben Párizsban ismerkedett meg, portréja. Az első iterációt márványba faragták, majd egy gipszmásolat következett, amelyből ez a bronz készült. Magát a vakolatot New Yorkban állították ki az 1913-as legendás Fegyverkiállításon, ahol a kritikusok kigúnyolták és becsmérelték. De ez volt a műsor legtöbbször reprodukált darabja is. Brancusi különféle változatokon dolgozottMlle Poganymintegy 20 évig.

Fénykép: A Modern Művészetek Múzeuma jóvoltából

Kerékpár kerékDuchamp forradalmi readymade-jei közül az elsőnek tartják. Amikor azonban párizsi stúdiójában elkészítette a darabot, valójában fogalma sem volt, minek nevezze. „Boldog ötletem támadt, hogy egy bicikli kereket rögzítek egy konyhai zsámolyhoz, és nézzem, ahogy forog” – mondta később Duchamp. Egy 1915-ös New York-i utazásra és a város hatalmas, gyárilag gyártott árucikkeinek kitettségére volt szükség ahhoz, hogy Duchamp előálljon a kész kifejezéssel. Ennél is fontosabb, hogy elkezdte belátni, hogy a hagyományos, kézműves módon történő művészet készítése értelmetlennek tűnt az ipari korban. Minek bajlódni, szögezte le, ha a széles körben elérhető iparcikkekkel is meg lehet tenni a munkát. Duchamp számára a műalkotás mögött meghúzódó ötlet fontosabb volt, mint az elkészítésének módja. Ez a felfogás – a konceptuális művészet talán első igazi példája – teljesen átalakítaná a művészettörténetet előrehaladva. Hasonlóan egy közönséges háztartási tárgyhoz, azonban az eredetiKerékpár keréknem élte túl: Ez a verzió valójában egy 1951-ből származó replika.

Fénykép: Whitney Amerikai Művészeti Múzeum, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

A Whitney Múzeum állandó gyűjteményének szeretett tárgya,Calder cirkuszalepárolja azt a játékos esszenciát, amelyet Alexander Calder (1898–1976) a 20. szobor megformálásában közreműködő művészként hozott magához.Cirkusz, amely a művész párizsi idejében készült, kevésbé volt elvont, mint függő „mobiljai”, de a maga módján éppoly kinetikus volt: elsősorban drótból és fából készült,CirkuszAz improvizációs előadások központi elemeként szolgált, amelyekben Calder különféle alakok körül mozgott, amelyek torzítókat, kardnyelőket, oroszlánszelídítőket stb. ábrázoltak, mint istenszerű gyűrűmester.

Fénykép: a J. Paul Getty Múzeum jóvoltából

Aristide Maillol (1861–1944) francia művészt festőként és kárpittervezőként és szobrászként leginkább modern neoklasszicistaként lehetne jellemezni, aki a 20. századi lendületet öltötte a hagyományos görög-római szobrokon. Radikális konzervatívként is jellemezhető, bár nem szabad elfelejteni, hogy még az avantgárd kortársak, mint Picasso is készítettek műveket neoklasszikus stílus adaptációjában az első világháború után. Maillol témája a női akt volt, ésOdú, kontrasztot teremtett alanya anyagi tömege és az a mód, ahogyan a lány a térben lebegni látszik – mintegy egyensúlyba hozva a makacs fizikaiságot az elillanó jelenléttel.

Fénykép: CC/Flickr/C-Monster jóvoltából

Kusama japán művész, aki többféle médiumban dolgozik, 1957-ben érkezett New Yorkba, majd 1972-ben tért vissza Japánba. Időközben a belvárosi szcéna meghatározó alakjává nőtte ki magát, akinek művészete sokféle alapot érintett meg, köztük a pop artot, a minimalizmust. és Performance Art. Mint művésznő, aki gyakran hivatkozott a női szexualitásra, a feminista művészet előfutára is volt. Kusama munkásságát gyakran hallucinogén minták és formák ismétlődései jellemzik, bizonyos pszichés állapotokban – hallucinációkban, OCD-ben – gyökerező hajlam, amelyet gyermekkora óta szenved. Kusuma művészetének és életének mindezen aspektusai tükröződnek ebben a műben, amelyben egy közönséges, kárpitozott karosszéket idegesítő módon a varrott kitömött anyagból készült fallikus kidudorodások pestisszerű kitörése fedi le.

Fénykép: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Az egyszerűen keresztnevén ismert Marisol Escobar (1930–2016) Párizsban született venezuelai szülők gyermekeként. Művészként a pop-art, majd az op art-hoz kapcsolódott, bár stilisztikailag egyik csoporthoz sem tartozott. Ehelyett figurális tablóképeket készített, amelyeket feminista szatíráknak szántak a nemi szerepekről, a hírességekről és a gazdagságról. InNők és Kutyafelvállalja a nők tárgyiasítását, és azt a módot, ahogyan a nőiség férfiak által meghatározott normáit alkalmazzák, hogy alkalmazkodásra kényszerítsék őket.

Fénykép: CC/Flickr/Rocor jóvoltából

A Brillo Box talán a legismertebb Warhol a hatvanas évek közepén készített szobrászati ​​alkotások sorozata közül, amelyek három dimenzióba helyezték a popkultúra vizsgálatát. Warhol nevéhez hűen adta műtermének – a gyárnak –, a művész asztalosokat bérelt fel, hogy egyfajta összeszerelősoron dolgozzanak, és kartonok formájában fadobozokat szögezzenek össze különféle termékekhez, köztük a Heinz Ketchuphoz, a Kellogg's Corn Flakeshez és a Campbell's Souphoz. nos Brillo szappanpárnák. Ezután minden dobozt az eredeti színnek megfelelő színre festett (a Brillo esetében fehérre), mielőtt hozzáadta a termék nevét és logóját szitanyomással. A többszörösen elkészített dobozokat gyakran nagy kötegekben mutatták be, így bármilyen galériában is voltak, gyakorlatilag egy raktár magaskulturális fakszimiléjévé változtatták. Alakjuk és sorozatgyártásuk talán az akkor születőben lévő minimalista stílus irányába mutatott – vagy paródiája volt. De az igazi lényegBrillo BoxEz az, ahogyan a valósághoz való közeli közelítése felforgatja a művészi konvenciókat, azt sugallva, hogy nincs valódi különbség az iparcikk és a művész műterméből származó munka között.

Fénykép: CC/Flickr/Esther Westerveld jóvoltából

Donald Judd neve a Minimal Art szinonimája, a '60-as évek közepének mozgalma, amely a modernizmus racionalista irányzatát a lényegre desztillálta. Judd számára a szobrászat a mű konkrét térbeli jelenlétének artikulálását jelentette. Ezt az ötletet a „specifikus tárgy” kifejezés írta le, és míg más minimalisták elfogadták, Judd vitathatatlanul úgy adta meg az ötlet legtisztább kifejezését, hogy a dobozt vette aláírási formájaként. Warholhoz hasonlóan ismétlődő egységként állította elő őket, ipari gyártásból kölcsönzött anyagok és módszerek felhasználásával. Warhol levesesdobozaival és Marilyns-ével ellentétben Judd művészete semmire sem utalt önmagán kívül. „Stackjei” a legismertebb darabjai közé tartoznak. Mindegyik horganyzott fémlemezből készült, egyforma sekély dobozokból áll, amelyek a falból kilógnak, hogy egyenletesen elhelyezkedő elemekből álló oszlopot hozzanak létre. De Juddot, aki festőként kezdte, éppúgy érdekelte a szín és a textúra, mint a forma, amint azt az egyes dobozok elülső felületére felvitt, zöldre festett autolakk is mutatja. Judd szín és anyag összjátéka adjaNévtelen (halom)igényes elegancia, amely tompítja absztrakt abszolutizmusát.

Fénykép: CC/Flickr/Rocor jóvoltából

Benglishez hasonlóan Hesse is művésznő volt, aki a posztminimalizmust vitathatatlanul feminista prizmán keresztül szűrte. A náci Németországból gyermekkorában elmenekült zsidó szerves formákat tárt fel, ipari üvegszálból, latexből és kötélből olyan darabokat készített, amelyek bőrt vagy húst, nemi szerveket és más testrészeket idéztek. A hátterét tekintve csábító a trauma vagy a szorongás hátterét találni az olyan művekben, mint ez.

Fénykép: A Modern Művészetek Múzeuma jóvoltából

Judd és Flavin nyomán művészek egy csoportja eltávolodott a minimalizmus tiszta vonalú esztétikájától. Ennek a posztminimalista nemzedéknek a részeként Richard Serra az adott tárgy fogalmát a szteroidokra helyezte, jelentősen megnövelve annak méretét és súlyát, és a gravitációs törvényeket az ötlet szerves részévé tette. Ingatag kiegyensúlyozó elemeket hozott létre acél- vagy ólomlemezekből és tonnákat nyomó csövekből, amelyek a munka veszélyérzetét keltették. (Két alkalommal a Serra darabjait szerelő riggerek meghaltak vagy megnyomorítottak, amikor az alkotás véletlenül összeomlott.) Az elmúlt évtizedekben Serra munkái egy görbe vonalú finomítást alkalmaztak, ami rendkívül népszerűvé tette, de a kezdeti szakaszban úgy működik, mint a One Ton Prop (House). of Cards), amely négy ólomlemezt tartalmaz egymáshoz dőlve, brutális közvetlenséggel közölte aggodalmát.

Fénykép: CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson jóvoltából

Az 1960-as és 1970-es évek általános ellenkulturális irányzatát követve a művészek lázadozni kezdtek a galériavilág kommercializmusa ellen, és olyan radikálisan új művészeti formákat fejlesztettek ki, mint a földmunkák. A land art néven is ismert műfaj vezéralakja Robert Smithson (1938–1973) volt, aki olyan művészekkel együtt, mint Michael Heizer, Walter De Maria és James Turrel, az Egyesült Államok nyugati sivatagaiba merészkedett, hogy monumentális alkotásokat alkossanak, összhangban cselekedtek a környezetükkel. Ez a helyspecifikus megközelítés, ahogyan ezt nevezték, gyakran közvetlenül a tájból vett anyagokat alkalmazta. Ez a helyzet Smithson esetébenSpirális móló, amely a tó északkeleti partján lévő Rozel Pointból nyúlik be a utahi Nagy Sós-tóba. Sárból, sókristályokból és helyben kivont bazaltból készült,Spirális móló mérések1500 x 15 láb. Évtizedekig elmerült a tó alatt, mígnem a 2000-es évek elején a szárazság ismét a felszínre hozta. 2017-benSpirális mólóUtah hivatalos műalkotásának nevezték el.

Fénykép: CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier jóvoltából

A francia származású művész jellegzetes alkotása,Pókaz 1990-es évek közepén jött létre, amikor Bourgeois (1911-2010) már a nyolcvanas éveiben járt. Számos különböző léptékű változatban létezik, köztük néhány monumentális is.Póka művész édesanyja, a kárpit-restaurátor előtti tisztelgés célja (innen az utalás a pókhálók fonására való hajlamára).

Shutterstock

A tekintélyes Turner-díjat 1994-ben elnyerte Antony Gormley az Egyesült Királyság egyik leghíresebb kortárs szobrásza, de világszerte ismert a figuratív művészet egyedi felfogása, amelyen a léptékek és stílusok széles variációi alapulnak. nagyrészt ugyanazon a sablonon: A művész saját testének öntvénye. Ez igaz erre a hatalmas szárnyas emlékműre, amely az északkelet-angliai Gateshead város közelében található. A főút mentén található,Angyal66 láb magasra szárnyal, szárnyvégtől szárnyvégig 177 láb széles. A Gormley szerint a mű egyfajta szimbolikus jelzőt jelent Nagy-Britannia ipari múltja (a szobor Anglia szénországában, az ipari forradalom szívében található) és posztindusztriális jövője között.

CC/Flickr/Richard Howe jóvoltából

A chicagóiak szeretettel „The Bean”-nek hívják hajlított ellipszoid formája miatt,Felhőkapu, Anish Kapoor nyilvános művészeti alkotása a Second City's Millenium Parkban, egyszerre műalkotás és építészet, amely Instagram-kompatibilis boltívet biztosít a vasárnapi babakocsik és a park többi látogatója számára. Tüköracélból készült,FelhőkapuFun-house tükrözi és nagyszabású teszi Kapoor legismertebb darabja.

A művész és Greene Naftali, New York jóvoltából

Rachel Harrison munkája a tökéletes formalizmust ötvözi a látszólag absztrakt elemek többféle jelentéssel, beleértve a politikait is, átitatására való képességgel. Hevesen megkérdőjelezi a monumentalitást és az ezzel járó férfias előjogot. Harrison szobrai nagy részét hungarocell tömbök vagy lapok egymásra rakásával és elrendezésével hozza létre, mielőtt cementtel és festői virágokkal borítja be őket. A tetején lévő cseresznye valamiféle talált tárgy, akár önmagában, akár másokkal kombinálva. Kiváló példa erre ez a próbababa, amely egy hosszúkás, festékes forma tetején áll. A köpenyt és a hátrafelé néző Abraham Lincoln maszkot viselő mű a történelem nagy emberének elméletét küldi fel az ókori világ hódítójának megidézésével, aki magasan áll egy bohócszínű sziklán..